Mariangela Melato (Getty Images)

E’ morta oggi all’età di 71 anni Mariangela Melato, amatissima attrice italiana. La Melato, malata da tempo di tumore, è deceduta alle prime luci dell’alba in una clinica di Roma. Era nata a Milano il 19 settembre 1941.

Grande interprete dello spettacolo italiano e una delle più grandi attrici italiane, Mariangela Melato inizia la sua carriera nello spettacolo già da ragazza, quando nel 1960 entra nella compagnia di Fantasio Piccoli, per poi approdare alla corte di Dario Fo dal 1963 al 1965, esibendosi in “Settimo ruba un po’ meno” e “La colpa è sempre del diavolo”. Due anni dopo, con Luchino Visconti interpreta “Monaca di Monza” prima di recitare nell’”Orlando Furioso” nel 1968 con Ronconi. L’anno successivo scopre e viene scoperta dal cinema per le sue qualità, iniziando con “Thomas e gli indemoniati” con Pupi Avati, per poi proseguire con altri successi quali: “Per grazia ricevuta”, “La classe operaia va in paradiso”, “Travolti da un insolito destino nell’azzurro mare d’agosto”, “La Poliziotta”, “Caro Michele” e “Casotto” di Sergio Citti verso la fine degli anni Settanta. Periodo in cui si lega anche ad un altro nome illustre: Renzo Arbore. Poi ecco il ritorno alle origini, al teatro, il suo più grande amore, prima di legarsi al Teatro Stabile di Genova dal 1993, dove è andata in scena con “Un tram che si chiama desiderio” e “L’affare Markopulos” con Ronconi. Nel frattempo, però, continua comunque a lavorare nel cinema con “La fine è nota” di Cristina Comencini, “Panni sporchi” di Mario Monicelli, “Un uomo perbene” di Maurizio Zaccaro e “Vieni via con me” di Carlo Ventura. Ruoli anche in tv, che partono da “Scandalo” del 1990, per terminare poi con “Rebecca, la prima moglie” nel 2008, verso la fine della sua carriera.

Il mondo dello spettacolo piange, oggi, una delle sue maggiori protagoniste, una donna amata per a sua bellezza, la sua professionalità, la sua bravura e la sua duttilità: passava con naturalezza dal comico di “Mimì metallurgico ferito nell’onore” alle tragedie shakespeariane, alle tragedie greche e alle opere di Pirandello. Un’artista dalla quale dovranno imparare le generazioni che verranno.

Mariangela Melato e Giancarlo Giannini nel film “Travolti da un insolito destino nell’azzurro mare d’agosto” (di Lina Wertmüller, 1974)

Redazione

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La città di Catania durante i festeggiamenti di Sant'Agata (Photo FABRIZIO VILLA/AFP/Getty Images)

“La restituzione di un luogo dimenticato ad una socialità nuova, ha creato uno spazio di vita culturale per i cittadini”, con queste parole Antonio Squeo, uno dei promotori dell’occupazione del Teatro Coppola di Catania, ha esordito ieri in occasione della messa in scena dell’opera di Gioacchino Rossini “L’Aureliano in Palmira”, la stessa che venne presentata nello storico teatro, in occasione della prima inaugurazione, il 19 giugno 1921.

Nel corso del suo intervento, Squeo ha tenuto a sottolineare cosa rende legittima l’occupazione del teatro, il più antico della città: “Stando alla legge, l’atto di occupazione è illegale. Ma in questo caso, essendo in presenza di un luogo rimasto nell’incuria, il gesto diventa legittimo in quanto restituisce ai cittadini un bene collettivo, ridandogli un senso”. Il Teatro Coppola era stato chiuso in seguito ai bombardamenti del 1943 e solo un anno fa, come ha ricordato Squeo, è tornato ad essere “uno spazio di vita culturale per i cittadini”, grazie alla messa in scena, nel corso di questi mesi, di oltre centocinquanta tra spettacoli teatrali e musicali.

Sul Facebook del Teatro, intanto, i volontari che lo animano hanno voluto lanciare un messaggio alla cittadinanza e alle istituzioni: “Oggi, a un anno dalla riappropriazione del Teatro Coppola da parte dei cittadini, ribadiamo che la pubblica proprietà appartiene alle necessità di ognuno; che la cultura è grimaldello di cambiamento sociale; che non esiste pensiero autoritario a difesa della persona; che azzerare, con l’azione diretta, ogni idea di rappresentanza vuol dire praticare la felicità. Ognuno cresce solo se sognato”. Nei giorni scorsi è iniziata l’occupazione di un altro teatro abbandonato, l’In Fiera di Messina.

Redazione online

Il palchetto delle autorità al Teatro Scala di Milano (Photo Brescia/Amisano/AFP/GettyImages)

Si è aperta con l’ormai rituale contestazione, quest’anno accompagnata da una fitta nevicata, la stagione lirica 2012/2013 del Teatro La Scala di Milano. Attivisti dei centri sociali milanesi stanno infatti protestando all’incrocio tra via Montenapoleone e via Manzoni, esponendo uno striscione con la scritta “No all’austerità, nun te pago” ed intonando cori “contro la mafia dei partiti” e contro il premier Monti, il quale è entrato da un ingresso secondario evitando anche i tanti giornalisti in attesa. Momenti di tensione quando la polizia ha bloccato i manifestanti davanti alla Galleria Vittorio Emanuele.

Tra gli assenti alla prima, il presidente della Repubblica Giorgio Napolitando e il presidente dimissionario della Regione Lombardia Roberto Formigoni.  Nutrita come sempre la presenza di personaggi politici, dello spettacolo e della società civile: innanzitutto i ministri degli Esteri, Giulio Terzi di Sant’Agata, e dello Sviluppo economico, Corrado Passera; poi  Carla Fracci accompagnata dal marito che indossava una maglietta raffigurante il presidente Usa Obama; poco prima erano arrivati l’oncologo Umberto Veronesi e il capogruppo regionale del Pdl Paolo Valentini, accompagnati dalla rispettive mogli. Tra gli spettatori anche la showgirl Gaia Bermani Amaral e l’attrice Sabrina Negri, ex moglie dell’esponente della Lega Nord Roberto Calderoli.

L’attesa per il “Lohengrin” di Wagner è stata accompagnata da molta sfortuna per l’influenza che ha colpito sia Anja Harteros sia la sostituta Ann Petersen. La nuova protagonista, Annette Dasch,  è arrivata in città in piena notte. Nonostante questo, arrivando alla Scala, il ballerino Roberto Bolle ha detto di aspettarsi “una grande serata, il cast è il migliore”.

Redazione online

Serena Dandini (Photo by Valerio Pennicino/Getty Images)

Gli eventi sosterranno la campagna “No More!” contro la violenza sulle donne, intenzionata a chiedere alle istituzioni italiane di discutere proposte in materia di prevenzione, contrasto e protezione delle donne, ratificando la Convenzione di Istanbul del 2011.

Sul palco si alterneranno volti noti del mondo dello spettacolo e della società civile italiana, che leggeranno i testi scritti dalla Dandini e dalla ricercatrice Maura Misiti: a Palermo Angela Finocchiaro, Lilli Gruber, Anna Bonaiuto, Lella Costa e Geppi Cucciari; a Bologna, invece, è prevista la partecipazione del segretario della Cgil, Susanna Camusso e della giornalista Fiorenza Sarzanini, insieme a Iaia Forte, Concita De Gregorio, Micaela Ramazzotti, Eleonora Danco, Lunetta Savino, Ambra Angiolini, mentre a Genova saliranno sul palco, tra le altre, Sonia Bergamasco, Jasmine Trinca, Anna Bonaiuto e Malika Ayane.
Per tutte sarà l’occasione per ricordare che, usando le parole della Misiti, “la violenza contro le donne è uno dei fenomeni più democratici del mondo”.

Redazione Online

Roberto Bolle (Getty Images)

ROBERTO BOLLE CAVALIERE DELLA REPUBBLICA – Roberto Bolle, strepitoso ballerino e orgoglio italiano è stato nominato Cavaliere della Repubblica dal presidente Giorgio Napolitano.  L’etoile del Teatro alla Scala di Milano ha ora il prestigioso titolo di  “Cavaliere dell’Ordine al Merito della Repubblica Italiana”. La consegna del premio alla star della danza mondiale è avvenuta lo scorso 5 novembre a Milano dal prefetto meneghino Gian Valerio Lombardi e conferito dal presidente della Repubblica Giorgio Napolitano.

“É per me un grande onore ricevere questo prestigioso riconoscimento, uno stimolo per portare avanti con rinnovato entusiasmo il mio ruolo di ambasciatore dell’arte e della cultura italiana nel mondo”, ha commentato Bolle in riferimento al titolo assegnato per meriti in campo artistico e culturale.

Redazione Online

Alessandro Baricco

IN SCENA A ROMA NOVECENTO DI BARICCO – Fino al 6 novembre al Teatro Dell’ Angelo di Roma va in scena “Novecento”, uno dei testi più famosi e coinvolgenti di Alessandro Baricco. Il monologo è diretto e interpretato da Antonello Avallone.
Danny Boodmann T. D. Lemon Novecento è nato sul piroscafo Virginia, nel bel mezzo dell’Oceano.  La sua è la storia di un pianista geniale e un pò bizzarro che riesce ad entrare in contatto con il mondo solo attraverso un pianoforte. Novecento ha la musica dentro, nessuno sa da dove provengano le note che fuoriescono dalle sue mani, ma queste sembrano raccontare i paesaggi e le storie della terraferma così come i passeggeri del Virginia la descrivono.
Forse è per questo che Novecento non è mai sceso da quella nave, lì è nato e vissuto, anno dopo anno, avanti e indietro tra l’America e l’Europa, immaginando una terra che non ha mai visto, non con i propri occhi almeno… ogni persona che sale e scende dalla nave gli porta un pezzo di quel mondo. La sua è la storia di un legame indissolubile tra un uomo ed il mare, la sua vita è sull’Oceano e non c’è nessun altro posto.

Il 3 ottobre al teatro dell’Angelo Antonello Avallone ha raccontato la storia del pianista sull’Oceano nelle vesti di un musicista jazz, un trombettista squattrinato che suonava sul piroscafo Virginia. Avallone nonostante la scenografia povera e poco rappresentativa, ha rapito totalmente il pubblico, portandolo davvero con sè su quella nave e tenendo la scena come solo i grandi attori sanno fare. Novecento è sicuramente una delle grandi opere dei nostri anni e vale davvero  la pena farsela raccontare da lui al Teatro Dell’Angelo.

Valerio Iannone

I "Soliti Idioti"

I SOLITI IDIOTI A TEATRO – L’11 luglio in occasione della manifestazione “Roma Vintage” che si tiene nella suggestiva location del parco di San Sebastiano a Roma, è andato in scena uno degli sketch show più amati e seguiti del momento: “I Soliti Idioti”. I due protagonisti, Francesco Mandelli e Fabrizio Biggio, già volti noti di MTV, hanno portato sul palco tutta la serie di personaggi che hanno determinato il successo televisivo della comedy, avvalendosi del supporto musicale di una band con la quale hanno interpretato tutte le canzoni dissacranti e pungenti che accompagnano la serie.

Con “I Soliti Idioti”, i due istrionici attori hanno mostrato una rappresentazione ironica ed estrema di tutti gli ambiti della società italiana, dalla famiglia alla scuola, dalla politica alla religione. Tra cambi di costume e canzoni dissacranti, Mandelli e Biggio scavano nelle pieghe più cupe della nostra società esaltando il gretto conservatorismo, l’opportunismo e l’ignoranza che serpeggia nell’Italia di oggi, il tutto rivisto in chiave comica. La coppia di personaggi più attesi dello spettacolo erano senza dubbio l’imprenditore romano Ruggero De Ceglie e suo figlio Gianluca, accolti da un vero e proprio boato del pubblico. Ruggero è una persona disonesta, volgare e scorretta caratterizzata da un forte accento romanesco che si accanisce sul povero figlio Gianluca, brillante laureato dall’animo gentile, al quale cerca di insegnare quella che a suo dire è la “vita vera”. Ne consegue una serie di botta e risposta esilaranti, a volte eccessivamente volgari, che sono già diventati un tormentone.

Grande prova da parte dei due attori che mostrano una grande versatilità artistica, trasformandosi in personaggi molto diversi tra loro nello spazio di pochi minuti.

La manifestazione Roma Vintage continuerà fino al 15 Agosto e oltre a spettacoli e concerti, offre anche un area con diversi bar e un interessante mercatino, che fanno di questa manifestazione un imperdibile appuntamento dell’estate romana.

Laura Cortellessa

La tomba di William Shakespeare

LA MORTE DI WILLIAM SHAKESPEARE – Qual è il mistero che si nasconde dietro la morte del più eminente drammaturgo della storia? Ogni dettaglio della sua vita è stato scrupolosamente analizzato; ogni indizio suscettibile di comprovare o meno la paternità delle sue opere, è stato pazientemente scandagliato; ogni pista di ricerca volta a stabilire la sua vera identità, è stata febbrilmente e appassionatamente setacciata. Eppure, ancora infiniti misteri si celano dietro di lui, il Bardo dall’agile penna d’oca e dall’inconfondibile verso, il poeta simbolo della cultura letteraria occidentale: William Shakespeare.

Fra i molti enigmi che ossessionano i suoi accaniti ammiratori, ve n’è uno, in particolare, che davvero tutti vorrebbero risolvere: come e in quali circostanze è morto l’autore di “Romeo e Giulietta”? Secondo uno scienziato sud-africano, Francis Thackeray, direttore dell’Istituto di evoluzione umana di Johannesburg, Shakespeare potrebbe essere morto in seguito al consumo di un qualche stupefacente ancora poco conosciuto all’epoca. Lo stesso Thackeray aveva condotto una ricerca nel 2001 che gli aveva consentito di dimostrare la presenza di minuscole tracce di marijuana e cocaina sulle pipe appartenenti al Bardo. Una scoperta sensazionale, dal momento che ancora nessuno aveva dimostrato l’uso di queste due sostanze nell’ Inghilterra del XVI secolo.

Inseguendo le molte allusioni alla droga presenti nelle opere di Shakeaspeare, Thackeray intende ora spingere oltre la sua ricerca, verificare se effettivamente il poeta facesse uso di stupefacenti e stabilire con più certezza le cause del suo decesso. Per fare questo, chiede niente di meno che la riapertura della tomba di Shakespeare, situata nella Chiesa della Santa Trinità a Stratford-upon-Avon, presunta casa natale del poeta. Lo scienziato si è affrettato a dire che per condurre tali ricerche la sua equipe dovrà solamente aprire la tomba, e che le ossa del poeta non verranno in nessun modo spostate. Basterà l’aiuto di uno scanner a determinare la causa della sua morte. Ciò nonostante, forse Shakespeare avrebbe comunque qualcosa da eccepire all’ambizioso progetto dello scienziato, se, come molti credono, fu davvero lui a dettare ancora in vita l’epitaffio che ne avrebbe per secoli custodito il leggendario sepolcro:

Flavia Lucidi

Sabina Guzzanti

SABINA GUZZANTI – Torna da luglio in giro per i teatri italiani Sabina Guzzanti, dopo due anni dal suo “Vilipendio Tour”, con il nuovo spettacolo dal titolo “Recital”: una galleria dei personaggi di ogni genere che hanno accompagnato la vita dell’Italia negli ultimi 17 anni. Massimo D’Alema e Rocco Buttiglione, Valeria Marini e Lucia Annunziata, Bruno Vespa e Barbara Palombelli, Maria De Filippi e Clarissa Burt, e poi ancora personaggi meno famosi e qualche inedito assoluto, fino all’impresa di ripercorrere il tragitto politico e umano di Silvio Berlusconi attraverso le sue celebri imitazioni degli ultimi anni.

“Recital” vuole essere uno spettacolo liberatorio, oltre che nel senso più profondo di satira come catarsi dai mali della società, anche in quello letterale del termine, attraverso il quale la Guzzanti stessa spera di liberarsi una volta per tutte delle ingombranti presenze che l’accompagnano ormai da anni. Per informazioni e aggiornamenti sulle date: www.sabinaguzzanti.it http://www.bigfishent.it

Annarita Favilla

Un'immagine del "Cirano" al Teatro Vittoria

CIRANO AL TEATRO VITTORIA – Il Teatro Vittoria è uno degli storici teatri di Roma, nel quartiere popolare di Testaccio nel cuore della capitale, regala ai suoi visitatori la possibilità di godere di interessanti spettacoli in una magnifica cornice. Il cartellone del teatro è quasi giunto al termine e la stagione si sta per concludere in bellezza con uno degli ultimi spettacoli in programma: il “Cirano di Bergerac” di Edmond Rostand portato in scena dalla Compagnia Teatri Possibili, fino al 15 Maggio. La pièce è presentata nella traduzione di Franco Cuomo e Corrado d’Elia ne ha curato la regia e incarnato il protagonista.

Uno spettacolo dai grandi numeri quello che ancora una volta sta facendo registrare forti successi e grande approvazione del pubblico: l’allestimento ha infatti collezionato oltre 1000 repliche in tutta Italia, in 13 anni di tournee, ed è stato visto da oltre 150 mila spettatori. Il segreto di questo incredibile successo? Difficile dirlo, forse un testo che ha fatto la storia del teatro, una sceneggiatura che parla d’amore nella sua forma più pura e un allestimento unico nel suo genere.

“Cirano di Bergerac” è stato scritto nel 1897 dal poeta e drammaturgo francese Edmond Rostand. Da oltre cento anni l’eroe protagonista è uno dei personaggi più amati dal pubblico nei teatri di tutto il mondo, incarnazione dell’innamorato per eccellenza, virtuoso della spada e delle parole, ricordato per le sue rime romantiche e il suo lungo naso.

L’adattamento dell’opera portato in scena dalla compagnia Teatri Possibili spoglia il testo dagli abbellimenti poetici e dalle sue rime, per trasformare la poesia in prosa e avvicinarla allo spettatore contemporaneo. Anche la scenografia è ripulita da ogni eccesso: sul palco un unico elemento, un piano in legno pericolosamente inclinato su cui i personaggi corrono avanti e indietro e con il rumore dei loro passi scandiscono il ritmo delle parole. Anche la semplicità delle luci contribuisce a focalizzare l’attenzione sui personaggi. I costumi rispettano il mood generale, in modo che la concentrazione sia diretta a risaltare il testo. Su tutto spicca la genialità di Corrado D’Elia che concentra su di sè l’interesse degli spettatori.

Ne fuoriesce un allestimento unico nel suo genere, in cui viene dato pieno risalto agli splendidi testi e alla toccante vicenda: l’amore è l’elemento centrale che per oltre due ore tiene gli spettatori incollati alle poltrone, coinvolgendoli e facendoli emozionare.

Laura Cortellessa

Il critico letterario, Franco Quadri, scomparso ieri a Milano

FRANCO QUADRI MORTO – E’ venuto a mancare ieri, Franco Quadri, uno dei maggiori critici teatrali contemporanei. Gli ultimi due mesi di vita li ha trascorsi all’Ospedale Monzino di Milano.
Personaggio poliedrico, oltre che colto uomo di cultura, ha fondato negli anni settanta la casa editrice Ubulibri e la rivista Ubu, successivamente ha creato l’annuario di spettacolo, Pentalogo. Creazioni, queste, interdisciplinari, come lui stesso le definì, in quanto permettevano di scoprire l’arte teatrale nelle varie forme di arte visive. Questo pensiero di Franco Quadri si riferisce a un periodo storico, gli anni settanta appunto, in cui il teatro è orientato alla contaminazione e alla commistione tra generi, poi è seguito un periodo di maggiore chiusura che, purtroppo, vige ancora adesso.
L’apertura mentale verso nuovi orizzonti dell’arte, nel senso pieno del termine, viene riportata sulla carta scritta anche grazie ai frequenti articoli e alla partecipazione nei maggiori quotidiani nazionali come La Repubblica e Il Manifesto ma anche Le Monde, El Publico.

Sara Durantini

Gene Gnocchi

GENE GNOCCHI A TEATRO – La società vista e raccontata da Gene Gnocchi non può che essere assurda, quasi surreale, e indubbiamente senza senso. Nel suo ultimo spettacolo, “Cose che mi sono capitate a mia insaputa”, il comico originario di Fidenza racconta con graffiante ironia una realtà che oggi sfugge alla comprensione. Lo fa portando in teatro un personaggio cinico e flemmatico, quasi distaccato da ciò che lo colpisce e che si ritrova, a sua insaputa, ad affrontare una serie di situazioni impossibili.
Questo il contesto per portare in scena un monologo composto da graffianti ragionamenti sulla società. I problemi sono gli stessi di sempre: la disoccupazione, la carenza di lavoro, la classe politica, il dibattito sull’energia… il protagonista, in cerca di un’occupazione, si vede a malincuore costretto a comprare la tessera della loggia P3 per coronare il suo sogno di esibirsi sul palco di qualche prestigioso teatro. Questo il motivo per cui, ad esempio, dal 18 al 20 Marzo è presente al Teatro Parioli di Roma, a raccontare al suo pubblico tutto quello che gli è capitato, a sua insaputa appunto, intermezzandolo con stacchetti promozionali che la sua condizione di lavoratore precario lo obbliga a fare.
“Cose che mi sono capitate a mia insaputa” è stato scritto dal comico con la collaborazione di Ugo Cornia, Simone Bedetti e Maurizio Giambroni e sta avendo forte successo in numerosi teatri italiani.
Gene Gnocchi, all’anagrafe Eugenio Ghozzi, ha sulle spalle oltre trenta anni di carriera ma la sua graffiante ironia è rimasta sempre la stessa. Una satira che racconta la realtà e le sue mille contraddizioni, cercando di trovare un appiglio per comprendere quello che accade e che di solito sfugge ai più.

Laura Cortellessa

La locandina dello spettacolo teatrale

CENERENTOLA A ROMA- Il Balletto Di Roma porta in scena “Cenerentola”, in un adattamento originale che stravolge i canoni del balletto classico  per riscrivere la fiaba del fratelli Grimm in chiave contemporanea. Lo spettacolo ha debuttato il 15 Marzo presso il Teatro Italia di Roma, e sarà in scena fino al 27.

Già dall’apertura del sipario si intuisce che la Cenerentola che si ha di fronte è molto diversa da quella conosciuta ai più: luci soffuse, scenografia spoglia, severi costumi a tuniche sui toni del grigio… l’atmosfera è tetra ed ermetica, si percepisce l’oppressione di un senso di angoscia che subito ricorda l’inizio della favola dei Grimm. Sul palcoscenico si nota immediatamente la figura della protagonista, unica macchia bianca che spicca nel buio della scena, interpretata da Azzurra Schena in un’eccellente esecuzione sia espressiva che tecnica. I passi di danza studiati dal regista e coreografo Fabrizio Monteverde alternano momenti corali e passi a due, per un susseguirsi dinamico di azioni, in uno stile personalissimo da lui stesso definito “classico corrotto”. Anche la musica è stata stravolta: per l’adattamento si è scelto di non coreografare i brani appositamente scritti da Prokofiev per la fiaba, ma utilizzare al contrario musiche di Handel che si confermano un ulteriore punto a favore dell’ottimo risultato finale.

Il primo tempo si conclude lasciando un sapore amaro. Tutt’altra atmosfera accoglie il pubblico alla riapertura del sipario, nel secondo atto: è il momento del ballo, le ragazze si preparano euforiche indossando i loro abiti migliori. Passi a due e momenti coreografici di gruppo si susseguono incessantemente portando avanti la danza fino all’agognato lieto fine in cui la scarpetta di cristallo, una meravigliosa scarpa da punta luccicante, ritrova la sua legittima proprietaria coronando il sogno d’amore di Cenerentola.

“Si parte dalla fiaba più famosa dei Fratelli Grimm, ci si ispira alla più nota delle storie che legano ogni uomo alla sua infanzia per poi dimenticarla nell’intero coinvolgimento del balletto e ritrovarla a tratti. Nella “Cenerentola” di Monteverde è cambiata l’atmosfera, il sapore e l’ambientazione, ma i veri valori, quelli immutabili, rimangono, persistono e trionfano, non nelle esplosioni di colori o in passaggi musicali travolgenti, ridondanti e pomposi, bastano pochi tratti di riferimento e il tutto si riesce a cogliere con l’umana sensibilità. Si percepisce tra il profumo della serata, nei brividi di Händel, una malinconica tristezza che caratterizza l’oggi, svelata dalle angosce dei soprusi familiari”. Dalle note di regia.

Laura Cortellessa

TEATRO ITALIA

BALLETTO DI ROMA

fino a domenica 27 marzo

Luciano Carratoni

presenta

CENERENTOLA

Cenerentola: Azzurra Schena

Regia e Coreografia:Fabrizio Monteverde

Musica di G. F. Haendel

Scene: Fabrizio Monteverde

Costumi: Santi Rinciari

Light Designer: Carlo Cerri

Costumi realizzati da: Sartoria Farani di Roma

Per informazioni e prenotazioni

Teatro Italia

Via Bari, 18

Tel. 06/44239286

mail: italia.teatro@libero.it

www.teatroitalia.info

SERGIO RUBINI SANGUINETI

Sara Durantini

RUSTEGHI GOLDONI

Uomini che calzano i panni delle donne, districandosi a fatica nelle sottane, prigioni di corpi ed anime evidenziano la sottomissione in cui si trovavano le contemporanee di Carlo Goldoni e ancora donne di oggi, a Oriente ed Occidente. È un tentativo di capire l’altra metà del cielo e di denunciare i soprusi che subisce, l’allestimento straniante e coraggioso del regista Gabriele Vacis in collaborazione con Antonia Spaliviero. La vicenda tratta di un matrimonio imposto dai padri a due giovani che non si sono mai visti. Finirà bene, ma servirà l’acume di una donna. Uno spettacolo incentrato sugli attori, bravi, Natalino Balasso, Eugenio Allegri, Mirko Artuso, Jurij Ferrini, Roberto Tarasco firma scene e costumi puntellando di segni il disegno registico di Vacis, che ha lasciato autonomia creativa agli interpreti, liberi di sottolineare il grottesco, quindi l’irruente comicità del testo. Molti applausi da parte di un pubblico giovane. La tournee nazionale finisce a maggio.

Ansa

BELLISSIME TEATRO ROMA

Adnkronos

L'attore Mario Scaccia

L’attore era nato a Roma il 26 dicembre del 1919. Figlio di un pittore, nel 1945, appena reduce dalla Seconda guerra mondiale, si era iscritto all’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica, in cui si diplomò successivamente nel 1948. Ma già nel 1946 aveva calcato il palcoscenico con Woyzeck di Büchner, prima di avviare una lunga carriera che l’avrebbe visto cimentarsi nelle esperienze di spettacolo più disparate.

Scaccia aveva avuto un malore lo scorso 10 dicembre. Il medico gli aveva ordinato riposo assoluto. Perciò il grande attore, in scena un mese fa al Teatro Arcobaleno con lo spettacolo «Interpretando la mia vita» – inedito viaggio attraverso i suoi ricordi di palcoscenico e i «dietro le quinte» – si era visto costretto a sospendere le recite. Poi il ricovero in ospedale, l’operazione e, martedì, il decesso.

Tra i primi a dare la notizia, il sito wikipedia.org, che ha aggiornato la scheda sul grande artista prima ancora che le agenzie di stampa battessero i loro lanci del mattino. Artista fantasioso e versatile, Scaccia aveva costituto nel 1961 – con Enriquez, la Moriconi e Mauri – la Compagnia dei Quattro. Al lavoro in teatro (dove si ricordano l’interpretazione di Fra Timoteo nella Mandragola di Machiavelli, il Chicchignola di Petrolini e il Negromante dell’Ariosto) ha affiancato una discreta attività cinematografica:
Sul grande schermo debuttò nel 1954 in «Tempi nostri» di Blasetti, interpretando in seguito film di Lattuada, Petri, Bolognini. Fu anche attore televisivo in grandi sceneggiati: interpretò Plonplon in «Ottocento» (1959), Capitan Sandracca ne «La Pisana» (1960), Manilov ne «Le anime morte» (1963), Bompard in «Tartarino sulle Alpi» (1968) e la figura del dottore ne «Le avventure di Pinocchio» diretto da Comencini (1971).

Fonte: Corriere.it

Una delle particolarità di questo tipo di teatro, nella versione finale, è che tutti gli interpreti sono uomini: non esistono attrici, almeno nel Kabuki tradizionale. Curiosamente, però, una donna è considerata la fondatrice di questa forma di teatro: Izumo no Okuni.

Okuni era, secondo la tradizione, una sciamana, o sacerdotessa, del Grande Tempio di Izumo, uno dei più antichi e prestigiosi templi della religione scintoista. Vista la sua abilità nella danza e nel canto, venne mandata a Kyoto dove avrebbe dovuto danzare, cantare e recitare, in pubblico, al fine di ottenere delle donazioni per il tempio. Era il 1603, data che tradizionalmente indica la nascita del teatro Kabuki. Sul letto del fiume Kamo a Kyoto gli spettacoli di Okuni richiamarono subito una gran folla: eseguiva danze popolari, derivati da antichi canti religiosi, con frequenti allusioni sessuali e intramezzati da scenette comiche. Il successo fu immediato. Okuni, al termine del suo periodo di missione a Kyoto, decise di non tornare al tempio di Izumo; continuò a spedire i soldi ricevuti con le donazioni, ma decise di intraprendere un altro tipo di vita. Attorno a se radunò un gruppo di ragazze, tutte appartenenti ai livelli bassi della società, e molte di loro erano prostitute; insegnò loro il canto, la danza e l’arte della recitazione, e il successo non tardò ad arrivare. Si dice che Okuni vestisse in modo stravagante: come un uomo o con vesti occidentali, con tanto di crocefisso, in guisa dei primi missionari portoghesi arrivati in Giappone. Questa eccentricità nel modo di vestire, unita alla particolarità delle tematiche trattate negli spettacoli, valsero, a questo tipo di rappresentazione, il nome di “Kabuki”. Kabuki significa, appunto, “stravagante”, “eccentrico”, “al di fuori degli schemi”. Okuni, nel suo vestirsi, sembra che prese ispirazione dai Kabukimono, bande di ronin che, vestiti con colori sgargianti, con pettinature eccentriche e che spesso indossavano kimono femminili, imperversarono nel Giappone del XVI secolo. Gli spettacoli di Onna-Kabuki, come era detto il Kabuki femminile, attirarono un gran numero di spettatori, soprattutto uomini attirati dalle spesso frequenti allusioni sessuali dei testi e dalla presenza delle prostitute che, pur essendo ora attrici, cantanti o danzatrici, non avevano abbandonato il loro precedente mestiere. Anche il governo si interessò a questo tipo di spettacolo, ma il suo interesse portò presto alla proibizione dell’Onna-Kabuki; gli affollati spettacoli portavano a consequenziali seri problemi di ordine pubblico ed inoltre i testi vennero considerati immorali. In breve alle donne venne proibito di salire su un palco.

A seguito del successo di questo genere di spettacolo, sorsero altri gruppi per la gioia dei sempre più numerosi appassionati del Kabuki. Estromesse le compagnie femminili, a raccogliere l’eredità rimasero i gruppi formati da ragazzi molto giovani, che diedero vita al Wakashu-Kabuki. Questi ragazzi, per la loro bellezza ancora acerba e per il tono della voce ancora priva di quella mascolinità della maturità, erano i più adatti a sostituire, anche nel cuore del popolino, le prostitute dell’Onna-Kabuki. Essendo composto solo da maschi, alcuni si specializzarono nell’interpretazione dei ruoli femminili. Nacque così la figura dell’Onnagata che è presente ancora oggi. La vita del Wakashu-Kabuki fu piuttosto breve, come del resto fu per la versione femminile. L’erotismo presente nei testi, i tratti femminei di molti di questi ragazzini e le frequenti risse tra gli spettatori portarono le autorità a bandire anche questo genere di spettacolo. L’accusa era sempre la stessa: immoralità, problemi di ordine pubblico. Naturalmente non erano estranee le voci di omosessualità e di prostituzione che aleggiavano su questi spettacoli.

A metà del XVII secolo, dopo appena mezzo secolo, le prime due forme di Kabuki furono messe al bando dal governo Tokugawa. Ma quest’arte sopravvisse e si evolse nella versione finale che poi, con alterne fortune, è giunto fino ai nostri giorni: il Yaro-Kabuki rappresentato sempre da gruppi completamente maschili, ma con attori anagraficamente più maturi.

Il teatro Kabuki. Dal periodo di Edo fino ai nostri giorni

Prima dell’avvento del teatro Kabuki, in Giappone esistevano due forme di teatro: il Noh, con il suo contraltare comico, il teatro Kyogen, e il teatro di burattini, il Bunraku. Il teatro Noh era considerato una forma d’arte di elevata qualità e godeva dell’appoggio dei daimyo e dell’alta aristocrazia. Il Bunraku, invece, era un teatro più popolare che era in auge già durante il periodo Heian (794 – 1185). Il teatro di burattini e il Kabuki vissero un periodo di rivalità e collaborazione che portò, come vedremo, ad influenzarsi a vicenda.

Per il Kabuki, dopo la messa al bando dell’Onna-Kabuki e del Watashu-Kabuki, venne il momento di voltare pagina e di diventare più maturo, come lo divennero gli interpreti di quest’arte. Il cambiamento fu radicale, non solo anagrafico. Vennero abbandonate le scenette, gli sketch, i numeri acrobatici e di danza in favore di vere opere drammatiche, di largo respiro. La figura dell’Onnagata si perfezionò e nacquero attori specializzati nell’interpretazione di ruoli femminili. E’ in questi anni che furono costruiti i primi grandi teatri di Kabuki a Tokyo e nel Kansai. Le rappresentazioni si dividevano in tre grosse categorie: i drammi storici (Jidimono), la vita quotidiana dei popolani (sewamono) e spettacoli di danze (shosagoto). Per le restrizioni imposte dal regime Tokugawa, e fino all’avvento del periodo Meiji, vennero rappresentati prevalentemente drammi storici (in particolar modo la guerra Gempei e le avventure di Yoshitsune Senbon Zakura). Come i due suoi predecessori, il Yaro-Kabuki rimase fedelmente ancorato ai gusti popolari del ceto medio-basso. Ad Edo, teatri quali il Nakamura-za, l’Ichimura-za e il Kawarazaki-za vennero costruiti nel quartiere più popolare della capitale; un quartiere (Yoshiwara) ricco di bordelli e di Case del Thè, un quartiere che noi oggi chiameremo a “luci rosse”. Nel 1841 scoppiò un rovinoso incendio che rase al suolo i tre teatri. Lo Shogun colse la palla al balzo e, adducendo il mancato rispetto delle norme anti-incendio, non diede l’autorizzazione alla ricostruzione dei teatri che vennero perciò trasferiti in periferia ad Asakusa.

Nonostante il teatro Kabuki fosse tollerato dai Tokugawa, non corse mai buon sangue tra il potere e quest’arte popolare che riscontrava sempre maggior successo tra il popolo, ma che minacciava di diventare un fattore di destabilizzazione; inoltre il mercato della prostituzione, che ruotava attorno a questi teatri, era assai mal tollerato. Ad Asakusa, che divenne il centro nevralgico, il Kabuki vi rimase fino al termine dell’era di Edo; con l’avvento dell’epoca Meiji, i teatri ritornarono nel quartiere di origine. La dislocazione del Kabuki in una zona periferica non fu, come speravano i Tokugawa, un colpo mortale a questa forma d’arte, anzi; nella seconda metà del periodo di Edo, il teatro Kabuki visse il suo periodo d’oro: raccolse attorno a se artisti come Utagawa Hiroshige; nacquero le prime “star” di questa arte: gli attori Ichikawa Danjuro I (creatore dello stile Arogoto), Ichikawa Kodanji IV e Kawatake Mokuami, lo sceneggiatore Tsuruya Nanboku IV. Fu in questo periodo che si accentuò la collaborazione con il teatro Bunraku. In quegli anni sia il teatro Kabuki che il teatro Bunraku erano all’apice della loro storia e ambedue erano forme d’arte popolare che raccoglieva i consensi più entusiastici tra gli strati medio-bassi della società; sebbene fossero in competizione tra loro, non mancarono i punti di contatto per una proficua collaborazione e per un vantaggioso influenzarsi a vicenda. Il grande sceneggiatore Chikamatsu Monzaemon scrisse opere sia per il teatro Bunraku che per il Kabuki. Spesso fu proprio il Kabuki ad essere influenzato dal teatro di burattini. Opere che riscuotevano grande successo nel Bunraku, venivano poi adattate per il Kabuki. Queste due forme teatrali si influenzarono a vicenda anche negli accorgimenti tecnici, nello sviluppo delle storie; fu, insomma, una sana rivalità in cui sia il Kabuki che il Bunraku trassero profitto.

Era il periodo di massimo splendore per il teatro Kabuki. I più grandi attori e registi erano delle vere e proprie star e come tali osannati dal popolo. Addirittura alcuni attori, come, per esempio, Ichikawa Danjuro VII, furono banditi da Edo a causa della loro vita troppo lussuosa.

Sebbene i drammi storici erano quelli maggiormente rappresentati, molte furono le storie, spesso drammatiche, che riguardavano la vita quotidiana nella società medio-bassa; nacquero vari sotto-generi a seconda del tipo di storia: i Kizewamono in cui si descrivevano la crudeltà, la sensualità e la decadenza della bassa società del periodo Edo; i Kaidanmono erano le storie di fantasmi; i Shiranamimono erano drammi che raccontavano le gesta dei criminali. Sono solo alcuni esempi della creatività di quest’arte nel periodo di suo massimo splendore.

Con la fine del periodo di Edo, e con la caduta degli Shogun Tokugawa, per il teatro Kabuki arrivò un periodo di temporanea crisi. Il 1868 segnò la fine di un’epoca; finiva un isolamento quasi totale imposto dai Tokugawa. L’apertura all’esterno portò con se una grande curiosità dei giapponesi verso le mode occidentali e verso tutto quello che arriva da Oltremare. Per contro persero importanza, agli occhi dei giapponesi, tutti i riferimenti tradizionali e, con esso il teatro Kabuki. Ma il declino durò poco. Il Kabuki seppe resistere all’impatto con un nuovo mondo; nuove storie, più moderne, vennero incontro ai nuovi gusti del popolo. I grandi esponenti continuarono ad essere idolatrati ed, inoltre, questa forma di teatro, attirò l’interesse degli stranieri che ormai, sempre più massicciamente, arrivavano in Giappone. I grandi teatri di Asakusa tornarono nella loro sede originaria e, il 21 aprile 1887, per la prima volta nella sua storia, un Imperatore (Meiji) assistette ad una rappresentazione Kabuki.

Durante il periodo Meiji ci fu un notevole riavvicinamento tra il governo di Tokyo e questa arte della tradizione giapponese. Il Kabuki, a partire dagli anni ’30 del XX secolo, sostenne il governo militare. Poi arrivò la guerra e con essa la tragedia dell’atomica e la distruzione del Giappone.

Il dopoguerra fu difficile per il Kabuki; a causa dell’appoggio dato al governo militare, le autorità americane lo bandirono. Gli americani, inoltre, temevano che certi spettacoli, che glorificavano lo spirito dell’antico Giappone, potessero creare dei problemi di ordine pubblico. Il bando, però cadde presto, e, faticosamente, il Kabuki riprese con i suoi spettacoli; ma la popolazione, in quegli anni, era diversa da quella di prima della guerra. Quei primi anni del dopoguerra, furono molto difficili e la maggior parte della popolazione era costretta a lottare, giorno dopo giorno, per la sopravvivenza: aveva poco tempo, e poco interesse, per gli svaghi; oltretutto rifiutava tutto quello che, in qualche modo, era legato al passato. Ma il bando durò poco e, per gli inizi degli anni ’50, vennero ricostruiti i principali teatri. Una nuova generazione di attori si affiancò alle anziane star del Kabuki.

Nei decenni successivi molti attori Kabuki cominciarono a partecipare, come attori, anche in produzioni televisive e cinematografiche. Rompendo la tradizione, alcune compagnie assunsero anche attrici femminili, con buona pace dei puristi. L’Occidente non tardò a manifestare il suo interesse per quest’arte così tradizionale e affascinante; iniziarono le tournee mondiali che portarono gli spettacoli Kabuki negli Stati Uniti e in Europa, sempre con grande successo. L’introduzione di auricolari, per gli spettatori, ha contribuito alla diffusione di quest’arte scenica anche tra le persone impossibilitate a capire la lingua giapponese.

Oggi il teatro Kabuki, seppure lontano dai fasti della seconda metà dell’epoca di Edo, ha ancora un notevole seguito di entusiastici ammiratori: secondo le ultime stime sarebbero, in tutto il Paese, circa tre milioni i fan del Kabuki che, tra le varie forme teatrali del Giappone, rimane il più conosciuto, e seguito, in Patria e all’estero.

Dal 2005 il teatro Kabuki è stato inserito nella lista dei “Patrimoni orali e immateriali dell’immateriali” dell’Unesco.

Cristiano Suriani

"Anastasia, Genoveffa e Cenerentola" di Emma Dante

LA CENERENTOLA DI EMMA DANTE AL VALLE DI ROMA – Roma: c’è tutto il teatro di Emma Dante in Anastasia, Genoveffa e Cenerentola, prima esperienza della regista palermitana nei codici linguistici del teatro per ragazzi: la recitazione parossistica degli attori, l’impasto magmatico dell’italiano con il dialetto siciliano e, a sottolineare i momenti salienti della storia, un originale e straniante contrappunto musicale – che mescola Liza Minelli a Massimo Ranieri e Gino Paoli.

La Dante, già protagonista della prima stagione monografica, torna al Teatro Valle, dal 21 dicembre, regalando per il periodo di Natale al pubblico romano questa favola per bambini e adulti, inedita rivisitazione del racconto di Perrault, già vincitrice di una menzione speciale al Festival Giocateatro Torino 2010 «per la convincente e trascinante interpretazione degli attori nella caratterizzazione dei personaggi».

All’interno della casa dove Cenerentola fa da sguattera, la matrigna e le due sorellastre si presentano in maniera totalmente diversa da come invece appaiono all’esterno. A casa sono sciatte, malvestite, trasandate e per di più comunicano tra loro in un dialetto ricco di parole ed espressioni accese. Ma quando entrano a stretto contatto con l’alta società, le tre arpie si riempiono la bocca di citazioni in francese.

La stessa cosa fa il principe: il suo disagio lo esprime in dialetto, lingua privata della franchezza, ma anche lingua della vergogna, che non si può, non si deve parlare in pubblico. Cenerentola è l’unica a usare sempre lo stesso linguaggio, proprio perché non ha niente da nascondere: la sua disperazione è alla luce del giorno, la sua indole è nobile e gentile sia all’interno che all’esterno della casa. Tutto è giocato tra il dentro e il fuori di un paravento che definisce i luoghi dove si svolge l’azione. Ciò che non si vede è magico, ciò che è alla portata degli occhi è reale. «Credo che sia più interessante sviluppare e stimolare la fantasia dei bambini attraverso un gioco di apparenze ed evocazioni – dichiara Emma Dante – le parole dialettali, soprattutto di un altro dialetto, sono più misteriose, incomprensibili ma accattivanti nella danza e nel canto delle vocali. I bambini sanno lasciarsi andare all’esercizio della fantasia e bisogna aiutarli a praticarlo, offrendogli la possibilità di rielaborare a modo loro le storie che ascoltano dagli adulti».

Fonte: Adnkronos

Giacomo Puccini

‘LA FANCIULLA DEL WEST’ COMPIE 100 ANNI  E NEW YORK LE RENDE OMAGGIO

- 4 DIC – La Metropolitan Opera di New York celebra il centenario della prima de ‘La Fanciulla del West’ di Giacomo Puccini. Era il dieci dicembre 1910, dopo una gestazione di circa oltre due anni, quando si alzò il sipario su quella che fu poi ribattezzata «l’opera americana», o ancora meglio «l’opera newyorkese» di Puccini. Fu un successo immediato, per diversi motivi. Un cast d’eccezione, con Arturo Toscanini alla direzione ed Enrico Caruso nei panni di Dick Johnson, il soprano ceco Emmy Destinn nel ruolo di Minnie, e lo stesso Puccini tra il pubblico. Raramente nella storia della lirica è stato possibile mettere assieme simili talenti. Grazie a loro per la prima volta un’opera, all’epoca ancora di monopolio europeo, aveva un soggetto americano. La prima mondiale a New York ebbe 19 chiamate, un successo conservato ancora oggi negli archivi del Met: «Avere un’opera nuova in repertorio è di per sè un gran risultato…Se poi l’autore di quell’opera è lo stesso di “Boheme”", “Tosca” e “Madama Butterfly” e l’opera in questione ha un soggetto americano, a quel punto l’evento assume un grandissimo significato». Dal 1910 ad oggi, ‘La fanciulla del west’ è stata portata in scena al Met in sole altre dieci produzioni, l’ultima nel 1991 con Placido Domingo nel ruolo protagonista per la regia di Giancarlo Del Monaco. «Un’opera del genere – ha detto all’ANSA Sarah Billinghurst, vice sovrintendente del Met – richiede grandi cantanti e un grande direttore d’orchestra». Dopo quasi vent’anni, per celebrare il centenario dell’opera, il Met ha voluto di nuovo Del Monaco, mentre ha affidato ad uno dei suoi tenori di punta, Marcello Giordani, il ruolo di Dick Johnson. Sarà invece Deborah Voigt ad interpretare Minnie, mentre il baritono Lucio Gallo sarà Jack Rance, e alla direzione Nicola Luisotti. ‘La fanciulla del West è un’opera in tre atti su libretto di Guelfo Cividini e Carlo Zangarini. Contrariamente a quanto si pensa, non fu commissionata dal teatro newyorkese. L’idea venne a Puccini dopo aver assistito, mentre si trovava a New York nel 1907, ad un dramma di David Belasco dal titolo ‘The Girl of the Golden West’. Il compositore ne rimase subito colpito e dopo aver ottenuto dall’autore il consenso, incaricò il poeta Zangarini e successivamente lo scrittore Cividini, di stendere il libretto. L’opera fu ultimata nell’estate del 1910. In occasione del centenario, il Met manderà in scena l’opera in anteprima il 6 dicembre, poi il giorno dell’anniversario, il 10 dicembre, e fino all’8 gennaio per altre sette volte.

Ansa

La serata di venerdì 26 sarà dedicata a Carmelo Bene. E sarà un omaggio scandito dalla narr/azione scenica a tutto campo di Lydia Mancinelli (con particolare attenzione allo straordinario «Pinocchio» dove l’attrice era una memorabile fatina). Arricchiranno la serata letture poetiche della stessa attrice di versi scelti di Giacomo Leopardi (poeta sommamente amato da entrambi) e proiezioni di video.

La serata di sabato 27 sarà dedicata a Leo de Berardinis. E Francesca Mazza, storica compagna della seconda fase di Leo (quando lasciò Roma e si trasferì a Bologna, dopo la separazione da Perla Peragallo), ne sarà la protagonista. La sua narr/azione coprirà, lungo l’arco di quasi due decenni, passaggi e spettacoli memorabili come, tra gli altri, «Novecento e Mille», «Macbeth», «I giganti della montagna». E sarà anch’essa arricchita da lacerti di letture sceniche e da proiezioni video. Pippo Di Marca parteciperà a entrambe le serate interagendo e dialogando con le protagoniste.

Fonte: Adnkronos

“JESUS CHRIST SUPERSTAR” SBARCA IN TEATRO A MILANO - Compie i quarant’anni in grande stile, ripresentandosi nei teatri italiani. Dopo il debutto a Brodway negli anni ‘70, Jesus Christ Superstar, ritorna a Milano. Ma per sole due settimane. Dal 16 al 28 novembre al Teatro Ventaglio Smeraldo sarà in scena il musical campione di incassi in tutto il mondo, a cui hanno dato vita Andrew Lloyd Webber e Tim Rice.

Lo show, prodotto dalla Planet Musical, sarà firmato ancora una volta dal regista siciliano Massimo Romeo Piparo, che già quindici anni fa era al timone della prima edizione italiana.
Una doppia ricorrenza, quindi, che viene festeggiata con una rivisitazione. Prima di tutto nel cast. Accanto al Gesù Paride Acacia, Piparo ha coinvolto importanti nomi della canzone italiana: dal Giuda, Matteo Becucci, il livornese vincitore della seconda edizione di X Factor al suo debutto in teatro, alla Maddalena, Simona Bencini, la carismatica cantante dei Dirotta su Cuba. Sul palco, anche il cantautore Mario Venuti, che vestirà i panni di Pilato e, solo per la tappa milanese, Ivan Cattaneo, per l’originale cameo di Erode.
“Ogni sera si rinnova il magico rito che ci restituisce l’idea di un mito eterno” commenta Piparo. Un mito che ha rivoluzionato la storia del musical, raccontando in chiave rock gli ultimi sette giorni della vita di Gesù di Nazareth. Tanto da essere l’unico musical al mondo ad aver raggiunto undici anni consecutivi di programmazione nei Teatri italiani.
La versione di Piparo è l’unica ad aver ottenuto un riconoscimento ufficiale della Santa Sede, in occasione del Giubileo del 2000.

Fonte:tgcom

STEFANO D’ORAZIO IN TEATRO CON “ALADIN” - Notti arabe, mistero e magia dei profumi d’oriente sbarcano a Milano il 9 novembre al Teatro Nuovo (fino al 21 novembre) con “Aladin“, il musical firmato nelle liriche e nella scenografia da Stefano D’Orazio con le musiche dei Pooh. Nei panni dello spregiudicato landruncolo si calerà Manuel Frattini mentre il Genio avrà il volto di Roberto Ciufoli e Jasmine quello di Valentina Spalletta.

Con loro un cast di attori, ballerini e musicisti diretti da Fabrizio Angelini in collaborazione con Gianfranco Vergoni, sotto la direzione artistica di Simone Martini. “Il progetto è nato nel maggio 2007 – racconta D’Orazio – e mi ha tenuto compagnia nella mia isola di Pantelleria dove ho scritto un tomo di oltre 150 pagine. Poi sono ripiombato nel mio lavoro di suonatore di tamburi e ad ‘Aladin’ non ho più pensato”.

Più di due anni dopo però il progetto prende forma. “Quando la mia vita ha preso a marciare con altri ritmi – continua D’Orazio – nel rimettere in fila le mie idee, mi è capitato di rileggere la mia favola: tutti i personaggi mi hanno fatto una gran festa, come se mi avessero riconosciuto, e mi è subito rinata la voglia di lavorare su questa idea. In ‘Aladin’ c’è sentimento, amicizia, ironia e tanta fantasia e all’anteprima di questa estate alla Versiliana ho visto la gente sorridere, emozionarsi ed applaudire forte gli straordinari ragazzi che su quel prestigioso palcoscenico raccontavano la mia storia e questo mi fa credere che forse abbiamo fatto un buon lavoro”.

Dopo il debutto milanese il musical comincerà il tour nei più importanti teatri italiani, toccando oltre trenta città

Fonte:tgcom

Andrew Lloyd Webber

I TEATRI DI ANDREW LLOYD WEBBER – Andrew Lloyd Webber, il celebre compositore ed impresario britannico, ha deciso di vendere quattro dei suoi sette teatri londinesi nel tentativo di ridurre i debiti. Il barone Lloyd Webber, 62 anni, tra le cui colonne sonore sono da annoverare “Jesus Christ Superstar”, “Evita”, “Cats” e “Il fantasma dell’opera” ha riferito che, attraverso la sua società Really Useful Group (RUG), venderà il Palace, l’Her Majesty’s, il Cambridge e il New London. La capienza complessiva delle quattro sale è di 4900 posti.

Al barone, ex marito di Sarah Brightman e membro della House of Lords, rimarranno i più grandi Palladium, Theatre Royal Drury Lane e il 50% dell’Adelphi. Il compositore ha riferito di sentirsi particolarmente triste nei confronti del New London, perché per 21 anni è stato la “casa” di “Cats”, e dell’Her Majesty’s, perché da 25 anni vi viene rappresentato “Il fantasma dell’opera”. Il compratore ci sarebbe già: è la GradeLinnit, tra i cui direttori figura Michael Grade, ex presidente della BBC. L’accordo dovrebbe essere siglato nel prossimo gennaio.

Fonte: Rockol.it

Charlie Haden

CHARLIE HADEN AL TEATRO MANZONI DI MILANO - Domenica 31 ottobre, alle 11, presso il Teatro Manzoni (via Manzoni, 42, Milano), si inaugura la ventiseiesima edizione di Aperitivo in Concerto, con il ritorno a Milano, dopo un’assenza di oltre otto anni, di uno fra i massimi protagonisti della musica improvvisata degli ultimi cinquant’anni, il contrabbassista Charlie Haden, alla guida del suo celebrato Quartet West.

Le atmosfere ora languide e ambigue, ora taglienti e vibranti della Los Angeles celebrata dagli autori noir come Raymond Chandler (fino all’odierno James Ellroy) e da registi come Howard Hawks, vengono liricamente rievocate dalla sofisticata musica che Haden presenta con Quartet West: Laurel Canyon, la Hollyhock House di Frank Lloyd Wright, il Musso and Frank Grill, Bob’s Big Boy, Ennis House, Hollywood, Bay City, Los Feliz, Silver Lake, luoghi in cui l’architettura viene creata per porre ordine ad una inquieta solitudine umana e che autori come Chandler avvolgono di una disperata poesia. Un mondo violento e cinico ma al contempo soffuso e ammiccante, simbolo di un’epoca che sembra essere scomparsa ma che, come un fiume carsico, ricompare nell’immaginario collettivo non solo americano.

Haden, magistrale strumentista e musicista dalle peculiari doti espressive, compie un’operazione in cui la commossa ma puntuale indagine sa farsi di magica intensità, assieme ad un gruppo di artisti eccezionali, virtuosi anch’essi ma dalla poetica affascinantemente raffinata. Sul palcoscenico del Teatro Manzoni scorreranno le immagini musicali di un’epoca elegantemente rinchiusa nella snellezza del bianco e nero, ma in cui la vita vibra ancora di colori accesi e traslucidi.

Fonte.tgcom

LA “CARMEN” DI BIZET TORNA ALLA SCALA DI MILANO - Alla prima scaligera dello scorso dicembre aveva fatto discutere. La regista Emma Dante aveva rivitalizzato “Carmen” di Bizet che torna in scena alla Scala di Milano dal 29 fino al 18 novrembre. Dalla scena della morte della protagonista come fosse uno strupro alla presenza del Cristo fatto a pezzi e di un carro nero con la sagoma di una santa. Erotismo e religiosità, due contrapposizione che ha decretato l’interesse internazionale per l’opera.

La piazza di Siviglia (la prima delle scene create da Richard Peduzzi) è una piazza circondata da edifici stilizzati, dai colori caldi che non identificano la Spagna, ma una generica città meridionale. Una portantina con un catafalco e la statua di una santa fanno presagire il dramma. E’ un afoso pomeriggio di noia, rotto dai giochi sfrenati dei monelli, sgusciati non si sa come (è la prima invenzione della regista) dagli zaini dei soldati. I militari non hanno nulla di ciò che la tradizione ha consegnato alla storia dell’opera, non splendono nelle divise con spalline e alamari e i loro interventi sono violenti e crudeli. La manifattura tabacchi è una fabbrica, e davanti agli uomini che si radunano per vedere l’uscita delle sigaraie alla fine del lavoro, si presentano delle operaie: ragazze abbigliate tutte allo stesso modo, hanno una mantellina bianca che, una volta rivoltata sulla testa, ne fa tante suorine. Tra loro c’è Carmen che, con una veste che non ha nulla del rosso costume gitano, intona l’Habanera.

Se la tradizione vuole un’opera giocata sull’esotismo dell’ambientazione spagnola, sulle nacchere, sul personaggio di Carmen, zingara sfrontata, quella di Emma Dante è un’altra cosa. La regista evita di cedere al folklore, disegnando la figura di Carmen come quella di una donna indomabile, che non è disposta a cedere un grammo della sua libertà. L’esatto contrario di Micaela, dimessa fidanzata di Don Josè, tutta casa e chiesa, che anela al matrimonio, tanto che sotto la veste nera nasconde un candido abito da sposa, che disvela davanti all’amato. Le ‘invenzioni’ di Emma Dante continuano negli atti successivi: nel secondo, dove Carmen diventa finalmente gitana anche negli abiti e si scatena in un balletto indiavolato. Nel terzo atto, dove il covo dei contrabbandieri diventa un luogo magico, tra alberi animati, le cui fronde si fanno poi cespugli in un prato multicolore; e poi nella notte trascorsa all’ addiaccio, dove donne velate di nero materializzano il presagio di morte che Carmen legge nelle carte.

Il tema della madre malata con cui Micaela torna a scongiurare Josè è reso con un lungo lenzuolo bianco teso ai lati, tanto da sembrare un enorme, provocatorio letto di morte. L’epilogo tragico del quarto atto vede rientrare in scena le prefiche velate e il catafalco, mentre Carmen, vestita di nero, respinge per l’ultima volta, insolente e beffarda, l’amore di Don Josè. Lui, disperato e accecato dalla gelosia, non le affonda il coltello nel cuore, ma la aggredisce da dietro, tagliandole la gola.

INFORMAZIONI
29, 31 ottobre 2, 4, 6, 9, 12, 14, 18 novembre 2010
CARMEN Opéra-comique in quattro atti di GEORGES BIZET
Prezzi: da 187  a 12 euro Infotel 02 72 00 37 44

(Foto Brescia, Amisano – Teatro alla Scala)

Fonte:tgcom

Scritto nel 1945, ‘Questi fantasmi’ e’ uno dei testi piu’ celebri di Eduardo De Filippo, nonche’ il primo ad essere rappresentato all’estero (il 7 giugno del 1955 a Parigi). E’ ambientato a Napoli, in un grande palazzo seicentesco, dove prendono alloggio Pasquale Lojacono, interpretato in castigliano da Tony Laudadio, e Maria sua moglie (Marta Domingo). Pasquale, in cambio di una permanenza gratuita, si impegna con il proprietario, in gran segreto, a sfatare la diceria sull’esistenza di fantasmi nell’immobile. Tuttavia sara’ proprio lui a convincersi che il denaro e i tanti regali che trova in casa siano il frutto di un’insperata benevolenza di questa entita’ sovrannaturale e non le interessate regalie dell’amante della moglie. La commedia ‘Questi fantasmi’, al tempo stesso tragica, comica e grottesca, e’ incentrata sull’ambiguita’ della trama e del suo protagonista. Come affermo’ lo stesso Eduardo De Filippo: ”Scrissi la commedia di Pasquale Lojacono per dire che i fantasmi non esistono. I fantasmi siamo noi, ridotti cosi’ dalla societa’ che ci vuole ambigui, ci vuole lacerati, insieme bugiardi e sinceri, generosi e vili”.

Fonte: Ansa

Matteo Becucci

MATTEO BECUCCI IN “JESUS CHRIST SUPERSTAR” - Lo avevamo lasciato due anni fa a “X Factor“, vincitore del talent show musicale. Adesso Matteo Becucci si gioca la carta del musical. Ma non uno qualsiasi, bensì lo spettacolo per eccellenza: “Jesus Christ Superstar” che debutta al Teatro Sistina di Roma il 19 ottobre. Matteo vestirà i panni di Giuda. Con lui, sul palco, anche Max Gazzè, Mario Venuti e Simona Bencini. Lo show sarà dal 26 al 28 novembre al Teatro Smeraldo di Milano.

A quindici anni dallo storico debutto (che fece tappa anche al “Teatro Ventaglio Smeraldo”), ecco di nuovo sul palco una produzione esplosiva che farà rivivere i fasti dell’”opera rock” più amata dal pubblico italiano.

Uno spettacolo firmato da Massimo Romeo Piparo che vede la partecipazione di Max Gazzè che interpreterà il ruolo di Erode, al suo fianco ci sarà il cantante Mario Venuti, che impersonerà Pilato, Simona Bencini, l’ex front woman dei Dirotta su Cuba, nel ruolo della Maddalena, mentre Paride Acacia sarà Gesù. Con orchestra dal vivo, il tutto in lingua originale inglese.

Dopo undici stagioni consecutive di repliche, oltre un milione di spettatori, più di cento artisti alternatisi nel cast e la memorabile edizione nel 2000 con Carl Anderson, ritorna dunque lo spettacolo-record. Il “Jesus Christ Superstar” di Piparo è infatti il primo prodotto in Italia, l’unica versione peraltro ad avere avuto il riconoscimento del Vaticano.

Ma non è finita. Nel ricordo del grande interprete di Giuda – a cinque anni dalla sua prematura scomparsa – verrà proiettato il video “So Long Judas” con inediti brani, interviste e immagini che ricordano la partecipazione di Anderson. Una prova non facile, dunque, quella di Matteo Becucci che per l’appunto interpreta Giuda.

Ma che, sicuramente, supererà a pieni voti.

Fonte:tgcom

Franco Oppini e Chiara Salerno

FRANCO OPPINI E CHIARA SALERNO IN “MOLTO RUMORE PER NULLA” - Si apre la stagione del Teatro San Babila di Milano con un classico delle commedie di Shakespeare. Dal 12 ottobre, fino al 31, sono in scena le divertenti schermaglie amorose di “Molto rumore per nulla“. Protagonisti sono Franco Oppini e Chiara Salerno, per la regia di Maurizio Amnesi. “Shakespeare è al tempo stesso uno degli autori più antichi e uno dei più moderni – dice Oppini a Tgcom -. E i suoi testi uniscono profondità e leggiadria”.  

La vicenda si svolge tra schermaglie amorose tra le due coppie di ragazzi e trame di vendette di torti subiti, con personaggi caratteristici del teatro shakesperiano e il lieto fine per gli innamorati. Dal “nulla” si scatena talmente “molto rumore” da coinvolgere tutti i personaggi in un’altalena di situazioni comiche che sfociano nel tragico per poi volgere al lieto fine; e tutto a causa del “nulla”, di cose di poco conto, di insignificanti fatti, innocenti scherzi, che si intersecano fino ad ordire un tele rumore da sottomettere l’amore, la gelosia, l’Invidia.

Oppini tiene a sottolineare la modernità del drammaturgo inglese. “E’ incredibile notare in tutta la sua produzione come abbia travalicato i tempi – spiega -. Forse era un extraterrestre o uno che vedeva il futuro. La prova di questo è in una battuta che dico nello spettacolo, quando affermo che “credo che non esista più uno scapolo di 70 anni”. Questa, che è stata tradotta letteralmente dall’originale, è stata scritta in un’epoca in cui si moriva a 35 anni e solo i più fortunati arrivavano a 50. Ragionare in questi termini era completamente fuori dal tempo”.

Non è la prima volta che l’attore affronta Shakespeare, avendo recitato qualche fa nel “Re Lear” accanto a Piero Mazzarella. “In quel caso si trattava di un testo drammaticissimo – commenta -. Ho quindi assaggiato anche la parte più dura di Shakespeare che comunque mantiene sempre una sua leggerezza. Secondo me chi rende pesanti i suoi lavori non gli rende un buon servizio. I suoi testi sono fatti per catturare il pubblico in ogni momento perché all’epoca il teatro era aperto, la gente entra e usciva in continuazione, quindi non c’è mai un momento di stanca nello svolgimento della storia”. 

Qualcuno forse si stupirà di vedere l’ex Gatto di Vicolo Miracoli in questo genere di ruoli. Ma lui tiene a sottolineare che in realtà non c’è nulla di strano, anzi, è proprio questo il mestiere dell’attore… “In realtà mi manca solo il circo – ironizza Oppini -. Per il resto ho fatto tutto. Sono partito dal teatro sperimentale, poi cabaret, televisione, cinema, fiction, teatro e persino l’operetta. Ho fatto quello che dovrebbe essere il percorso normale di un attore. Chi si fossilizza in un ruolo soloè uno che che si attacca alle poche certezze. E’ vero che il pubblico spesso ti vede in una certa maniera, ma il pubblico è anche pronto a cambiare idea, se gliene dai un buon motivo…”.

Fonte. tgcom

A 15 anni dalla prima rappresentazione italiana e al suo 40° anniversario, “Jesus Christ Superstar” torna con un allestimento di grandissimo livello artistico, l’orchestra dal vivo e 25 elementi sul palco. Lo spettacolo, prodotto dalla Planet Musical nella versione originale di Andrew Lloyd Webber e Tim Rice, vede Mario Venuti nel ruolo di Pilato, Simona Bencini (indimenticabile voce dei Dirotta su Cuba) la Maddalena, Matteo Becucci nella parte di Giuda. Paride Acacia è Gesù e, per la prima volta in assoluto a teatro, Max Gazzè sarà Erode.

Tra i protagonisti spiccano anche affermati talenti del musical italiano come Massimiliano Giusto (Hannas), Cristian Ruiz (Simone), Ciccio Regina (Caifa). Le coreografie sono firmate da Roberto Croce, la direzione musicale da Emanuele Friello, le scenografie da Giancarlo Muselli e i costumi da Santina Ferro. Dopo la tappa romana, Jesus Christ Superstar arriverà al Teatro Smeraldo di Milano dal 16 al 28 novembre. Già fissate anche le altre date di Bari, Jesi, Rimini, Assisi, Lugano, Bergamo, Torino, Genova, Bologna, Aosta, Brescia, Padova, Ascoli, Firenze, Brindisi, Cosenza, Messina, Catania e Catanzaro.

Nessun’altra produzione italiana in lingua originale vanta tanti record e per Massimo Romeo Piparo e la Planet Musical sono numeri davvero da capogiro: tre diverse edizioni, 11 anni consecutivi in cartellone nei Teatri nazionali dal 1995 al 2006, oltre 1.000.000 di spettatori, più di 100 artisti che si sono alternati nel cast, 19 regioni e più di 1.000 rappresentazioni in 84 città italiane. Questa versione, che narra l’ultima settimana di Cristo in chiave rock, è stata l’unica al mondo ad avere ottenuto un riconoscimento ufficiale dalla Santa Sede in occasione del Giubileo dell’Anno 2000 quando, ad interpretare il ruolo di Giuda nella versione italiana di Piparo, c’era Carl Anderson, il leggendario protagonista del celebre film di Norman Jewison del 1973. E proprio in ricordo di questo straordinario artista – a 5 anni dalla sua prematura scomparsa – sarà presentato nei teatri che ospitano lo spettacolo “So Long Judas”, un docu-film ricco di brani inediti, immagini e interviste esclusive.

Fonte: Agi

L'artista Gigi Proietti

GIGI PROIETTI – L’attore romano Gigi Proietti ha rilasciato un’intervista al settimanale Vivo in cui ha raccontato i suoi impegni e progetti professionali futuri:

“La direzione del Globe Theatre di Roma mi sta dando enormi soddisfazioni: la gioia più grande è stata quella di raccogliere ogni sera il tutto esaurito in un teatro dove si rappresenta solo Shakespeare e notare la presenza di un pubblico composto da molti giovani. Io ho avuto sempre un rapporto privilegiato con i ragazzi; quando hai a che fare con giovani adolescenti, i loro timori, le speranze, gli eccessi tipici dell’età, non so dirti se sia più cioò che tu dai a loro o ciò che loro danno a te, forse siamo pari”.

Corrado Tedeschi

CORRADO TEDESCHI - Dopo l’antipasto costituito dai tre concerti di Enrico Ruggeri, si apre la stagione classica del Teatro Manzoni con la commedia ”Lo spirito allegro“. Dopo il successo dell’anno scorso ne “L’anatra all’arancia” si riforma la coppia composta da Corrado Tedeschi e Debora Caprioglio. “Sono un fantasma dispettoso e che non passa inosservato – dice la Caprioglio a Tgcom -, un po’ Jessica Rabbit!”.

I due protagonisti sono affiancati da Marioletta Bideri e Antonella Piccolo e diretti da Patrick Rossi Gastaldi, diventato ormai un veterano della commedia brillante. La commedia, scritta da Noel Coward quasi settant’anni fa, narra di uno scrittore, vedovo e risposato, si sta documentando sullo spiritismo ed evoca per sbaglio, tramite una medium,  il fantasma della sua prima moglie, che incomincia a perseguitare la sua rivale vivente e vuole portarsi con sé il marito all’altro mondo, il che fornisce il motivo per varie catastrofi. 

“Fare il fantasma mi ha molto divertito, magari fosse così anche nella vita reale – dice la Caprioglio -. Ti muovi e nessuno ti vede, a parte in questo caso mio marito Corrado Tedeschi. E poi sono sicuramente uno spirito allegro, come recita il titolo, ma soprattutto sono dispettosissima”. Un ruolo divertente ma al tempo stesso impegnativo. “Questa è una piece di situazioni – spiega Debora – non un teatro di parola. E’ stato fondamentale fare tutto con estrema leggerezza”.

Rispetto al testo originale l’ambientazione è stata attualizzata e, secondo Corrado Tedeschi i risultati sono anche più esilaranti dell’originale. “L’abbiamo resa più fruibile al pubblico italiano - dice l’attore -, inserendo per esempio il personaggio della maga napoletana. Ci sono elementi dialettali che aiutano l’effetto comico e a mio parere in questa edizione si ride molto di più del solito. E far ridere è molto bello, soprattutto in questi giorni dove nel nostro Paese c’è poco da stare allegri”. Il grande merito del testo e della messe in scena è quella di suscitare la risata ma con estrema leggerezza ed eleganza. “Oggi come oggi – continua Tedeschi - in un’epoca in cui tutto è improntato alla ‘gran grossa’, riuscire a far ridere senza svaccare è già un bel risultato”.

Fonte:tgcom

Fonte: Ansa

Il cantante Enrico Ruggeri

ENRICO RUGGERI - Enrico Ruggeri in concerto, ovvero quando il confine tra musica e televisione viene abbattuto. La prima delle tre date con le quali il cantautore milanese chiude al Teatro Manzoni di Milano il suo tour è andata in archivio con successo tra hit e una sfilata dei ragazzi di “X Factor“, presenti al gran completo con tanto di vocal coach (Casale, Pennino e Tafuri in platea più Fabrizio Palermo sul palco) al seguito.

L’invito d’altra parte era stato lanciato ufficialmente durante l’ultima puntata del talent. Ospitate quindi in parte dovute anche se la sensazione, soprattutto per i fan di vecchia data, è stata quella strana di trovarsi in uno spettacolo a metà tra un concerto classico di Rouge e una punta extra di “X Factor”. Così tra un successo e l’altro hanno fatto passerella sul palco le nuove leve del programma di Raidue, da Nevruz all’ultimo entrato Dami. Ruggeri ha trovato il modo di coinvolgerli tutti affidando loro il compito di far girare la ruota virtuale per estrarre i pezzi che la scaletta lascia decidere alla sorte. Unica eccezione i Kymera che con Enrico hanno eseguito un’eccellente versione di “Polvere“, dando dal vivo una impressione decisamente migliore di quella offerta attraverso gli schermi televisivi.

“Fuori programma” a parte la serata ha avuto tutti gli ingredienti per soddisfare il pubblico accorso al Manzoni. Un buon numero di canzoni dall’ultimo album “La ruota” ha fatto da ossatura a una scaletta che non ha tralasciato successi (“Peter Pan“, “Mistero“) e classici (“Il portiere di notte“, “Quello che le donne non dicono“) che Ruggeri e la sua band hanno comunque avuto l’accortezza di rimaneggiare negli arrangiamenti, rendendoli sempre freschi e attuali. Come “Il mare d’inverno“, dove all’originale fraseggio di piano si è sovrapposta una più robusta struttura ritmica, con il basso di Palermo in grande evidenza. La ruota ha regalato qualche pezzo tra i più noti (“Nuovo swing“, “Primavera a Sarajevo“) e anche qualche chicca da intenditori, come la sottovalutata “Marta che parla con Dio” e “Giorni randagi“.

Gran finale a tutto rock con il pubblico che lascia l’aplomb teatrale per accalcarsi ai piedi del palco e godersi una “Poco più di niente” in versione quasi da rock sinfonico, una “Contessa” maestosa nell’arrangiamento ma che non ha perso un briciolo del suo tiro originale e “Mistero“. Saluti conclusivi ancora con i ragazzi di “X Factor” (questa volta tutti insieme) a salutare con la band. Si replica venerdì 8 e sabato 9 e sono attese altre sorprese, ma questa volta meno televisive. 

Fonte: tgcom

La showgirl e conduttrice Michelle Hunziker

MICHELLE HUNZIKER - ”Mi scappa da ridere” è lo spettacolo con cui Michelle Hunziker racconta la “sua favola”. La sua vita reale, l’infanzia, le passioni e ancora fantasia, invenzione ed immaginazione. Ne nasce uno show dove Michelle si mette in gioco del tutto: in versione intimista, sexy e umoristica.  “La risata è il mio mantra, – dice lei – una formuletta magica, il bidibi bodibi bu che spalanca le porte”. La prima sarà il 15 ottobre al Teatro Politeama genovese.

Non è un caso che Michelle Hunziker abbia deciso di tuffarsi in questa nuova avventura. Per lei, infatti, la risata non è solo un indice di positività o uno sfogo, ma è anche “un modo di comunicare”. E’ una caratteristica che prorompe nella sua vita reale come nel lavoro, “non solo nei momenti giusti ma anche in quelli meno adatti, come situazioni drammatiche o malinconiche”.

Il supporto di mezzi tecnologici e visuali usati in modo narrativo ed interattivo, farà sì che Michelle sia accompagnata, ora dal vivo, ora in maniera creativo-virtuale, dal corpo di ballo, dall’orchestra, ma soprattutto da un intrigante personaggio critico e dissacratore, a metà fra il Grillo Parlante e lo Stregatto, impersonato da Michele Foresta alias Mister Forest.

Con una scenografia ricca di ledwall ed ologrammi, “Mi scappa da ridere” ha alla regia Giampiero Solari. Lo spettacolo è scritto da Riccardo Cassini, Francesco Freyrie, Piero Guerrera, Giampiero Solari ed ovviamente dalla stessa Michelle. Con le coreografie di Bill Goodson le musiche di Leonardo De Amicis, “Mi scappa da ridere” ha impianto scenico e luci di Marcello Jazzetti e regia video di Cristina Redini.

A novembre “Mi scappa da ridere” andrà in scena in tante parti d’Italia: dal 3 a La Spezia (Teatro Civio); dall’8 a Lugano (Palacongressi); dal 12 a Reggio Emilia (Teatro Vall); dal 18 a Brescia (Palabrescia); dal 20 a Padova (Granteatro) e dal 23 a Bologna (Teatro delle Celebrazioni). Dal primo dicembre, invece, ad Alessandria al Teatro Comunale e dal 9 dello stesso mese al teatro Smeraldo di Milano. Ma nel 2011 lo show proseguirà.

C’è stato anche spazio per parlare, durante la conferenza stampa di presentazione dello show a Milano, di John Travolta con cui ha girato un noto spot: “Un uomo di grande charme. John è John e non è proprio vero che è gay, secondo me. Mi sembra molto sensibile e una bella persona, oltre che molto innamorato di sua moglie. E’ un uomo che ha sofferto molto e pare che ora si sia staccato da Scientology, ringraziando il Signore”.

Fonte: tgcom

L'attore Alessandro Gassman

ALESSANDRO GASSMAN - Esordio dietro la macchina da presa per Alessandro Gassman. Dopo anni di carriera al cinema, in televisione e a teatro, l’attore romano debutterà in regia con Roman e il suo cucciolo, adattamento di uno spettacolo teatrale.

 La pièce originale, intitolata Cuba and his teddy bear è stata scritta da Reinaldo Povod e portata in scena a Broadway negli anni ‘80 da Robert De Niro e Ralph Macchio. A breve ripartirà la tournée italiana.

Al centro del plot il difficile rapporto tra un padre e un figlio. Uno spacciatore di droga semianalfabeta, che alterna momenti di rabbia a momenti di dolcezza e un ragazzo che cerca di riscattarsi attaverso lo studio, che sogna una vita diversa ma che purtroppo è dipendente dall’eroina. Il film sarà ambientato nella comunità rumena residente nella periferia urbana del nostro paese.

Dopo il successo di Basilicata Coast to Coast, Gassman ha appena concluso le riprese di Baciato dalla fortuna, la commedia di Paolo Costella, per cui si presume che comincerà a lavorare presto a questo nuovo progetto

Fonte: tuttogratis

Fino al 1914, si chiamava Chiesa di San Donato, poi sostituita nel culto dalla contigua e piu’ importante Chiesa di San Giacomo de Muro Rupto. Da allora, grazie alla mecenate straniera Katherine Goad, che ne aveva intuito le potenzialita’, la chiesa veniva offerta in uso teatrale. Nell’immediato dopoguerra, veniva usata come cinema popolare. Sembrava lentamente destinata al declino e invece ha ripreso l’attivita’ con una vocazione ben definita il 12 dicembre 2002, con l’inaugurazione della nuova gestione, che l’ha trasformato in un ambiente suggestivo tipico dei ‘cafe’-chantant’. Da allora tantissimi nomi importanti della scena teatrale e musicale italiana si sono avvicendati sul palcoscenico. Tra questi, solo per citarne alcuni, Giorgio Albertazzi, Franca Valeri, Gabriele Lavia, Lella Costa, Arnoldo Foa’, Enrico Rava, Renato Sellani, Gianni Basso, Danilo Rea.

Adnkronos

Il direttore d'orchestra Riccardo Muti

RICCARDO MUTI - Paura per il direttore d’orchestra Riccardo Muti che non dirigerà la stagione autunnale della Chicago Symphony Orchestra (Cso). Il comunicato parla ufficialmente di “acuti problemi gastrici”. Il maestro potrebbe tornare sul podio per guidare quella invernale. Muti è rientrato di corsa a Milano per un consulto medico, tanto da mancare all’annuale evento di gala, Symphony Ball.

“Ho avuto il privilegio di fare della meravigliosa musica insieme a questa grande orchestra, e sono sicuro che continueremo a farla quando tornerò – ha fatto sapere Muti in un comunicato – voglio ringraziare il pubblico di Chicago per il caldo benvenuto che mi ha riservato, che ho sentito nel cuore. Questo mi ha commosso molto”.

Secondo il Chicago Sun-Times. il portavoce dell’orchestra, Raechel Alexander, ha fatto sapere che il maestro potrebbe tornare per i concerti invernali, in programma dal 3 al 9 febbraio. Muti ha in programma di dirigere anche due serie di concerti tra il 7 aprile e il 14 maggio, mentre dal 15 al 17 aprile è previsto un tour a New York.

Non trapelano ulteriori notizie sulle condizioni di salute di Muti, la famiglia non ha voluto commentare o rivelare altri dettagli alla stampa.

Fonte:tgcom

FESTIVAL VERDI - Apre venerdì 1 ottobre con “Il Trovatore” l’edizione 2010 del Festival Verdi. Fino al 28 ottobre Parma e le terre del grande compositore italiano, da Reggio Emilia a Fidenza, passando per Busseto e Torrechiara, saranno animate da un programma ricco non solo per l’offerta delle opere ma anche per una miriade di eventi, tra cui mostre e dibattiti. La manifestazione è stata presentata a Roma presso il ministero dei Beni culturali.

“Il Festival verdiano - ha esordito il ministro Sandro Bondi - ottiene, anno dopo anno, un successo sempre più significativo per molte ragioni. Innazitutto per l’altissima qualità della manifestazione, poi, per il rapporto che ha stabilito con il pubblico e per il coinvolgimento di tutto il territorio”. Bondi ha aggiunto: “Nonostante le difficolta’ economiche non rinunceremo mai a sostenere questa manifestazione. In un momento come questo dobbiamo avere il coraggio di fare delle scelte e la linea che intendiamo seguire è quella di mantenere inalterate le risorse per i progetti culturali qualificanti. Speriamo – ha proseguito – che in futuro si possa approvare una legge che renda permanente il contributo dello Stato al Festival Verdi, una delle migliori realta’ culturali del paese”.

Si parte, come detto, nella splendida cornice del Teatro Regio con “Il Trovatore” diretto da Yuri Terminakov. Ben 7 le repliche. Il 10 ottobre, sempre nel Teatro Regio, sarà invece la volta dell’opera in 5 atti “I Vespri siciliani” con la regia di Pier Luigi Pizzi. In questo caso le repliche saranno 4. “Attila” è il melodramma che sara’ eseguito in sei serate diverse presso il Teatro Verdi di Busseto. Media partner del grande evento è Mediaset: “Noi diamo un supporto di comunicazione – ha spiegato il suo presidente, Fedele Confalonieri -. Se hanno dei buoni conti, anche i privati possono dare una mano molto utile al paese finanziando il settore culturale che è una delle cose più importanti che abbiamo”.

Fonte: tgcom

SWAN LAKE - Ricordate la scena finale di “Billy Elliot“, quando il prodigioso ragazzino, ormai uomo, vola verso il palco in punta di piedi? Era la citazione cinematografica dallo spettacolo “Swan Lake“, che sbarcherà in Italia agli Arcimboldi di Milano (dal 17 al 28 novembre) per poi toccare Trieste e Firenze. Matthew Bourne ha sconvolto la tradizione del balletto classico rivisitando il “Lago dei Cigni” in modo assolutamente originale e ironico.

“L’idea di un uomo che personificasse il cigno aveva perfettamente senso per me, – spiega Matthew, – la forza, la bellezza, l’ampiezza dell’apertura alare di queste creature mi suggerisce ed evoca  più facilmente  la muscolatura di un danzatore più che una ballerina con un tutù bianco”.

Pur mantenendo inalterati due degli elementi che hanno reso quest’opera  immortale, come le magnifica partitura e la storia della ricerca costante e struggente di un ideale irraggiungibile, Bourne ha voluto sostituire il corpo di ballo femminile con un ensemble tutto maschile, affidando ad un uomo anche il ruolo del Cigno protagonista della storia.

Tale rilettura trasforma una delle opere e delle storie più amate in una favola moderna. L’amore del Principe per Odette è sostituito da quello per un bellissimo cigno, forte e misterioso. Lo spettacolo, a metà tra un balletto e un musical, unisce con grande espressività danza, humour (con diversi riferimenti satirici sulla monarchia inglese), spettacolarità e poesia.

Per Matthew “Swan Lake” ha avuto un richiamo particolare: “Ho avuto l’opportunità di raccontare una storia dalla portata e dal potenziale eccezionale. Soddisfa la mia propensione alla satira e all’ironia, inoltre mi ha dato l’opportunità di esprimermi creando una serie di movimenti astratti su alcune delle più belle musiche di danza mai scritte. Irresistibile!”.

Dal suo debutto nel 1995 è diventato negli anni il balletto più longevo nel West End londinese e Broadway (ma chiamarlo balletto è davvero riduttivo), vincitore di oltre 30 premi teatrali internazionali, vanta persino una citazione cinematografica nella scena conclusiva di “Billy Elliot”.  Il film termina con l’entrata in scena di Billy nel Lago dei cigni di Bourne. Billy, ormai adulto e all’apice della sua carriera, è interpretato da Adam Cooper,  ex danzatore del Royal Ballet e  primo ballerino ad aver ballato nel ruolo del Cigno per Bourne.

Bourne con questo spettacolo ha ricevuto, tra gli altri, ben 2 Tony Award come Miglior Regista e Miglior Coreografo. Per la creazione dei  costumi di scena, il costumista e scenografo Lez Brotherston ha ricevuto un Tony, un Outer Critics’ Circle e due Drama Desk Award.

In Italia Swan Lake arriva per volontà di MAS, Music, Arts & Show – il Centro di Formazione per lo Spettacolo con sede a Milano.

TOURNÉE ITALIANA
dal 17 al  28 novembre MILANO Teatro Degli Arcimboldi
dal 1 al  5 dicembre TRIESTE  Politeama Rossetti
dall’8 al 12 dicembre FIRENZE  Teatro Verdi
Info e Prevendite Tel. 02/27225

Fonte: tgcom

MAMMA MIA! - Tradotto – molto bene in italiano – dall’ex Pooh Stefano d’Orazio, Chiara Noschese dalla voce potente che ruba la scena a tutti (con qualche flessione romana in rari casi) e un corpo di ballo affiatato ed efficace. Questi i punti di forza del musical Mamma Mia! con le storiche canzoni degli ABBA, in scena al Teatro Nazionale di Milano. Ma l’opera musicale strappa un sì (sempre di matrimonio si tratta) a metà.

La storia è arci-nota, grazie al musical originale e al famoso film con Meryl Streep. Alla vigilia delle nozze Sophie (Elisa Lombardi), per ritrovare il suo vero padre, invita sull’isola i 3 uomini – Sam (Luca Arcangeli), Marco (Roberto Andrioli) e Giò (Gipeto) – del passato di sua madre Donna (Noschese). Da qui una situazione di storie divertenti, malinconiche e con il colpo di scena in agguato che si snoda lungo oltre due ore di messinscena.

Diciamo subito che la squadra delle donne – Sophie, la madre e le sue amiche Tanya (una strepitosa Lisa Angelillo) e Rosie (Giada Lo Russo) – oscura completamente il cast maschile, tra cui un debole e poco convincente Sky (Giuseppe Verzicco) – fidanzato di Sophie – dal punto di vista recitativo, oltre che musicale. Si ha come l’idea che la produzione ossia Stage Entertainment, che ha portato al successo il gradevolissimo “La Bella e la Bestia” ora spostato al Brancaccio di Roma, abbia voluto puntare sugli attori in senso stretto e poco sugli interpreti che sappiano anche ballare, cantare e recitare. E in Italia abbondano gli elementi validi.

Senza nulla togliere alla carriera teatrale di Luca Arcangeli, Roberto Andrioli e Gipeto che hanno un curriculum di tutto rispetto e anche al giovane Giuseppe Verzicco, c’è da dire che non sono stati convicenti ancor più nella parte musicale. Di fronte a una potente e roboante Chiara Noschese impallidiscono tutti. Notevoli, divertenti e coinvolgenti Giada Lo Russo e Lisa Angelillo che hanno strappato applausi anche a scena aperta.

Delicata e tutto sommato giusta per il suo ruolo Elisa Lombardi, anche se deve ancora acquisire sicurezza sul palco.

Scenografia scarna e semplice, forse è stata una scelta voluta, che viene completata dalle coreografie e da un corpo di ballo coeso ed energico. Insomma alla fine della storia c’è un sì, ma alla fine del musical si strappa un applauso ma solo a metà.

Prezzi da 77 a 35 euro. Orario degli spettacoli martedì 20.30, mercoledì 20.30, giovedì 20.30, venerdì 20.30, sabato 15.30 / 20.30 e domenica 15.30 / 20.30. Al Teatro Nazionale  di Milano Piazza Piemonte, 12.

Fonte: tgcom

Fonte: Chiara Carenini, Ansa

Fonte: Ansa

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Fra le numerose iniziative ricordiamo quelle portate avanti con il Comitato dei Migranti, le associazioni dei giovani, i centri sociali e per gli anziani, i detenuti del Carcere di Maiano ed i ragazzi diversamente abili, nonche’ la realizzazione, proprio da parte dei detenuti del carcere, di alcuni costumi per ‘Rigoletto’, opera inserita nella stagione dello Sperimentale. 

Sorto nel 1975 il Ceis, che prende nome dal suo fondatore, Don Guerrino Rota, nell’arco di questi anni ha ospitato piu’ di duemila persone dando sostegno anche alle loro famiglie. Il centro si occupa attualmente del recupero di persone con problemi di dipendenza da sostanze stupefacenti attraverso il programma terapeutico ‘Progetto Uomo’. Mediante una serie di interventi di tipo socio-comportamentale, medico, psichiatrico e psicologico, viene formulata per ogni individuo una proposta di piano di trattamento per il percorso.

Fra i prossimi eventi in programma la partita di calcio che vedrà partecipare la Nazionale Cantanti e quella degli Attori, prevista domenica 26 settembre alle 16 allo Stadio comunale di Spoleto.
Il Teatro Lirico Sperimentale ‘A.Belli’, invece, parteciperà questa sera al Festival Segni Barocchi 2010 a Foligno alle 21.15 con lo spettacolo multimediale ‘Dove Elce Verdeggia’ . 

Fonte: Adnkronos

L’appuntamento, organizzato da Giuseppe Rapisarda Management ed inserito nel calendario del Circuito del Mito, fa parte di una lunga tournee italiana. I due mostri sacri della canzone d’autore tornano insieme a piu’ di 30 anni da ”Banana Republic”, riunendo in un unico concerto tutta la loro produzione con la volonta’ dichiarata di renderla contemporanea ed attuale.

”Work in Progress” oltre al nome del tour e’ anche il fil rouge di questa nuova avventura dei due grandi cantautori italiani. La scaletta del concerto cambia ogni sera, sara’ tematica ed ”adattata” ai live. Le tre ore di grandi note riassumeranno le carriere di Dalla e De Gregori. Nella playlist non ci sara’ nulla di Banana Republic e la differenza con il tour storico e’ data dal fatto che nel ’79 i due suonavano le proprie canzoni, oggi e’ un continuo dialogo. I biglietti per il concerto di domani sera di Lucio Dalla e Francesco De Gregori sono ancora in prevendita anche su internet, all’indirizzo www.ctbox.it. Per tutte le informazioni su biglietti e disponibilita’ di posti www.jgangels.it, infoline 899.130.351.

Ansa

Fonte: Ansa

Fonte: Adnkronos

Fonte: Ansa

Domani e domenica 22 agosto all’Auditorium del Vittoriale (h. 21.15), a chiudere la kermesse ideata e diretta da Iko – Italia Konzert Opera,che ha portato nella dimora di d’Annunzio quasi due mesi di raffinato spettacolo con un cartellone di grandi nomi ed eventi arrivano, rispettivamente, Elena Vanni ed Elio Germano.

I due attori, che sono legati da un proficuo sodalizio lavorativo dato che hanno ideato insieme ‘Verona Caput fasci‘, spettacolo di cui sono autori e interpreti, nell’ambito della rassegna ‘Ricercando…Dal Teatro al parco.. ‘ presentano ‘Bim Bum Bang‘ e ‘Thom Pain‘. Entrambi gli spettacoli in programma al Vittoriale sono ad ingresso gratuito fino ad esaurimento posti. Un uomo, il suo potere, la sua creatura in un passato che non sparisce arriva la storia di un’azienda, di una famiglia. E’ questo il soggetto di ‘Bim Bum Bang -Commedia leggera sulla leggerezza delle armi’ di e con Elena Vanni per la regia di Tage Larsen.

Adnkronos

L’opera teatrale, dal titolo La nuda roccia-Canto per le Dolomiti, ha l’imprimatur del Museo tridentino di scienze naturali ed e’ stata scritta dal trentino Pino Loperfido per la compagnia Amici di Parola.

Anche inno solenne in onore dei caduti nelle battaglie della Prima guerra mondiale, lo spettacolo commuove e insieme strappa risate. L’appuntamento e’ per domani alle 21 a Moena, sulle Dolomiti.

Ansa

Fonte: Adnkronos

Adnkronos

A partire dal prossimo 30 luglio ospite della città sarà proprio il regista tedesco Jochen Strauch vincitore del Premio Deutschlandradio Kultur e del Premio Riccione Marisa Fabbri 2009 e attualmente responsabile della comunicazione per il Thalia Theater di Amburgo, con lui anche Davide Carnevali traduttore e critico vincitore, tra gli altri, del Premio Deutschlandradio Kultur ai Theatertreffen di Berlino e Beatrice Magalotti danzatrice e coreografa, nel 2006 ha ottenuto una residenza coreografica presso il P.A.R.T.S di Bruxelles e da due anni collabora con Teatri di Vetro. Partecipa al progetto anche la dance dramaturgie Anna Lea Antolini, consulente danza per QdA, per il Festival Teatri di Vetro e per la Fondazione Romaeuropa e ideatrice e curatrice, con Francesca Pedroni, di MAXXIvisioni.

Con il programma “Residenze d’Artista” ProgettArte3D ospita nel cuore medievale della città gli artisti europei impegnati nel festival, permettendo al gruppo internazionale di lavorare nelle migliori condizioni possibili.
La prima residenza si è svolta dal 5 al 15 luglio scorso. Dieci giorni durante i quali Gian Maria Cervo e il drammaturgo slovacco Viliam Klimacek, direttore artistico del teatro GUnaGU di Bratislava e vincitore per ben sei volte del prestigioso premio Alfred Radok come miglior drammaturgo ceco e slovacco dell’anno, hanno lavorato fianco a fianco con l’ausilio di due docenti dell’Università degli studi di Napoli “L’Orientale” che hanno curato le traduzioni e l’interpretariato italiano/slovacco al fine di favorire la buona riuscita del lavoro.

In una logica di scambi di esperienze artistiche internazionali, le opere prodotte durante la residenza verranno rappresentate al teatro Olimpico di Roma e al teatro GunaGu di Bratislava.

Infine, si ricorda che “Quartieri dell’Arte”, è una delle più importanti rassegne di drammaturgia contemporanea a livello nazionale, che collabora con istituzioni di prestigio e fama internazionale come il Festival dei Due Mondi di Spoleto, l’Accademia Teatrale di Shanghai ed il Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma, che è giunto alla sua 14esima edizione e che si svolge interamente nel territorio della Tuscia viterbese.

Se noi ci perdiamo l’un l’altro domani
Sabato 7 Agosto 2010 – ore 21
ProgettArte3D – Piazza San Pellegrino, 1- Viterbo

Lo spettacolo realizzato nell’ambito di “Roma in Scena 2010” è ad ingresso gratuito previa prenotazione al numero 06.06.08.

Il suo nome d’arte è a tutti noto, ma quello vero pochi lo ricordano: Franca Maria Norsa, nata a Milano il 31 luglio 1920, ragazza colta e di buone letture, tanto che è la passione per il poeta francese Paul Valery a suggerirle quello che sarà per sempre il suo pseudonimo. Del resto la scelta di cambiare nome nasce anche da un flop a teatro con la tragedia ‘Caterina di Dio’; un insuccesso che si somma ad un altro smacco: quello di venir bocciata all’esame di ammissione all’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica di Roma, l’”università degli attorì che laureò Gassman e tanti altri. In seguito, approda in teatro quasi per caso, dopo aver rivelato le sue doti satiriche nei salotti mondani e intellettuali milanesi, dove dà vita a personaggi ispirati al costume contemporaneo, fatto di frivolezze e ipocrisie, fedeli specchi di un ambiente borghese.

Il suo talento comico-satirico si segnala nella trasmissione radiofonica ‘Il rosso e il nero’, che fa da trampolino a molti futuri interpreti della commedia all’italiana. E’ qui che Franca Valeri per la prima volta fa conoscere al grande pubblico il personaggio della Signorina Cesira, che passando successivamente dalla radio alla televisione, diventa la Signorina Snob, nevrotica signora milanese, ritratto delle ipocrisie della borghesia contemporanea.

Il suo esordio teatrale risale al 1951, quando fonda il Teatro dei Gobbi con Alberto Bonucci e Vittorio Caprioli, (diventato poi suo marito), recita negli spettacoli ‘Carnet de notes n.1′ e ‘Carnet de notes n.2′, che proponevano una serie di sketch satirici sull’Italia che scopriva il miracolo economico. Nello stesso anno interpreta il suo primo film, ‘Luci del varieta”, di Alberto Lattuada e dell’esordiente Federico Fellini; seguono ‘Il segno di Venere’ (1955), ‘Il bigamo’ (1955), ‘Il vedovo’ (1959), ‘Parigi o cara’ (1962) e ‘Io, io, io… e gli altri’ (1965): tappe riconoscibili di una carriera in accelerazione, dove intreccia amicizie e collaborazioni con Vittorio De Sica e Alberto Sordi. Sempre con il Teatro dei Gobbi debutta in televisione nel 1954, dove la Signorina Snob si consacra fra le icone nazionali e dove nasce la fortunatissima Signora Cecioni (1960), la popolana romana perennemente al telefono con ‘mamma”. Da allora – e son passati cinquanta anni! – Franca Valeri è una presenza ricorrente nel cinema e nella tv.

Il grande schermo sfrutta le sue caratteristiche fisiche e di carattere, che per altre attrici sarebbero dei difetti; la tv amplifica il suo pubblico, per il quale diventa una presenza familiare. Ma non basta: legata alla Scala, dove ha maturato la sua passione per l’opera lirica, Franca Valeri si cimentata come regista di melodrammi, senza negarsi alla televisione (che a volte sembra non aver più bisogno di attrici di razza come lei). Nel 1995 è coprotagonista con Gino Bramieri della sit-com di Canale 5 ‘Norma e Felice’ e un anno più tardi con la fiction ‘Caro maestro’. Nel 2000 è accanto a Nino Manfredi in ‘Linda, il brigadiere e…’, fiction di successo di Raiuno, e del film tv ‘Come quando fuori piove’, diretto da Mario Monicelli. Nel 2001 è tra i protagonisti di ‘Compagni di scuola’ (Raidue). E’ inoltre autrice di commedie di successo, come: ‘Lina e il cavaliere’, ‘Meno storie’, ‘Tosca e le altre due’ e ‘Le Catacombe’, titoli che confermano uno stile di scrittura e di recitazione unici in Italia.

Ansa